{"id":11883,"date":"2024-03-10T20:11:09","date_gmt":"2024-03-10T20:11:09","guid":{"rendered":"https:\/\/www.operalibera.net\/wp\/?p=11883"},"modified":"2025-12-23T13:25:45","modified_gmt":"2025-12-23T13:25:45","slug":"salome-roma-teatro-dellopera","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.operalibera.net\/wp\/2024\/03\/10\/salome-roma-teatro-dellopera\/","title":{"rendered":"Salome – Roma, Teatro dell’Opera"},"content":{"rendered":"\n

La Salome<\/strong> di Richard Strauss<\/strong> ci fa scivolare nell\u2019oscurit\u00e0, fin dentro il cuore della tenebra, laddove ascoltiamo l\u2019inaudito e scopriamo un abisso che non sapevamo di abitare. Suggestivo e pertinente dunque collocare l\u2019intera azione drammatica su di un palcoscenico completamente buio, dove irrompe soltanto il fascio di un riflettore a ritagliare lo spazio nel quale si manifestano ed agiscono i personaggi. Questa \u00e8 appunto l\u2019idea registica di Barrie Kosky<\/strong>, che si avvale delle scene e dei costumi di Katrin Lea Tag<\/strong> e delle luci di Joachim Klein<\/strong>, nel realizzare l\u2019allestimento andato in scena a Roma e prodotto dall\u2019Opera di Francoforte: lavoro di estrema astrazione e spietato minimalismo, con tratti paradossali, talora espressionisti, in uno stile che evoca certune atmosfere del teatro tedesco. Prima che prenda forma questa cornice spiazzante, il direttore Marc Albrecht<\/strong>– cosa insolita -fa il suo ingresso nella sala quando \u00e8 ancora illuminata; le luci prendono poi ad abbassarsi lentamente fino alla completa oscurit\u00e0, prima ancora che attacchi la musica e mentre si odono strani rumori, simili al rullare di saracinesche, forse i cancelli degli inferi, o il frusciare nel palazzo delle grandi ali nere dell\u2019angelo della morte. Sprofondiamo e siamo all\u2019inizio di un viaggio, catabasi dell\u2019anima, dove subito ci appare lei, fanciulla arcana e fatale, nella forma di un fiore dal candore abbagliante.<\/p>\n\n\n\n

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Nicholas Brownlee e Lise Lindstrom<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Salome \u00e8 interpretata con tagliente intensit\u00e0 da Lise Lindstrom<\/strong>, che esibisce una vocalit\u00e0 duttile e di eccellente estensione, con alcune ruvidezze ma proiettata con fermezza ed omogeneit\u00e0. Con una linea di canto estremamente modulata ed una gestualit\u00e0 marcata ed energica, declina il personaggio in una notevole variet\u00e0 di espressioni e di forme, allineandosi con convinzione e bravura alle indicazioni registiche. Cos\u00ec all\u2019inizio la vediamo inquieta e sensuale con Jochanaan, tra seduzione e curiosit\u00e0 infantile, dove colpisce il mettersi in gioco dei corpi, pur con qualche banalizzazione come la stretta di mano di presentazione. L\u2019aspetto bambinesco emerge ancora pi\u00f9 spiccatamente nelle scene con la madre ed Erode, grazie ai quali si compone un quadretto familiare borghese e sinistro all\u2019interno del quale i capricci della protagonista assumono addirittura tratti satanici. Declinazione un po\u2019 forzata ma calzante, ma che rischia di offrire una lettura riduttiva del dramma di Wilde e di Strauss, contraendone la ricchezza simbolica e la portata sconcertante. Pericolo in cui incappa la scena della danza, con una Salome seduta ad estrarre da s\u00e9 un infinito nastro di capelli rossi, spogliata di ogni fascino e carnalit\u00e0, quasi una bambola meccanica, ad evocare una sessualit\u00e0 ripetitiva e violenta (se si vuole, i veli in realt\u00e0 erano comparsi in precedenza, in una coreografia durante l\u2019episodio degli Ebrei e dei Nazareni). Nella parte conclusiva, dopo numerosi cambi d\u2019abito e di atteggiamento, ritroviamo la Lindstrom <\/strong>liberata da ogni infantilismo e superficialit\u00e0, ad esprimere in uno stile asciutto e definito la terribile crudezza di Salome. Qui infine la testa di Jochanaan oscilla nel buio, mentre l\u2019orrore trascende ogni limite e ci introduce in una realt\u00e0 che \u00e8 al contempo pi\u00f9 alta e pi\u00f9 profonda, laddove la pulsione di morte si fonde e confonde con il mistero di Eros.<\/p>\n\n\n\n

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Katarina Dalayman, Lise Lindstrom, John Daszak<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Da parte sua, Nicholas Brownlee<\/strong> delinea la figura di Jochanaan nella solennit\u00e0 ispirata e magnetica del profeta, evidenziandone tuttavia con rilevo il turbamento e la debolezza. La dizione \u00e8 scandita e il fraseggio articolato, in un canto profondo e tellurico con aperture luminose di notevole ampiezza e passaggi di vibrante lirismo.<\/p>\n\n\n\n

Di buon volume ed estensione, pur con qualche fragilit\u00e0 nell\u2019intonazione, l\u2019Erode di John Daszak<\/strong>, che descrive con efficacia l\u2019ambiguit\u00e0 di un patrigno borghese, tanto attratto quanto inorridito dalla figliastra.<\/p>\n\n\n\n

Caratterizzata soprattutto come madre possessiva e gelosa l\u2019Erodiade di Katarina Dalayman<\/strong>, con un\u2019espressivit\u00e0 vigorosa anche se piuttosto uniforme.<\/p>\n\n\n\n

Luminoso ed appassionato il Narraboth di Joel Prieto<\/strong>, con un canto accurato e melodico. Da rilevare che il suo suicidio avviene nell\u2019oscurit\u00e0 e quindi praticamente fuori scena, depotenziato dunque del suo forte impatto drammatico.<\/p>\n\n\n\n

Dolente ed omogeneo il Paggio di Karina Kherunts<\/strong>, mentre i due soldati di Zachary Altman<\/strong> e Edwin Kaye<\/strong> realizzano un efficace contrasto tra due vocalit\u00e0 di basso.<\/p>\n\n\n\n

Convulso il dialogare degli Ebrei –Michael J. Scott<\/strong>, Christopher Lemmings<\/strong>, Marcello Nardis<\/strong>, Eduardo Niave<\/strong> e ancora Kaye<\/strong> – -con interventi precisi ed un\u2019agitata gestualit\u00e0, rafforzata dai costumi svolazzanti in bianco e nero; di ampio respiro i Nazareni \u2013 Nicola Straniero<\/strong> e ancora Altman<\/strong> – che creano un\u2019oasi serena nell\u2019oscurit\u00e0 del dramma. Validi e trasparenti anche l\u2019uomo di Cappadocia di Daniele Massimi<\/strong> e lo schiavo di Giuseppe Ruggero<\/strong>.<\/p>\n\n\n\n

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Lise Lindstrom<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La cornice di assenza e di tenebra di questo allestimento esalta la bellezza del testo e della partitura e pone in evidenza lo stretto legame tra gesto scenico ed espressione musicale. Quest\u2019ultima \u00e8 curata con fermezza e precisione dalla direzione di Marc Albrecht<\/strong>, che crea un flusso sonoro avvolgente e in continua tensione, con sequenze vigorose cariche di enfasi seguite da momenti di inquieti tremolii in piano e in pianissimo. Drammaturgicamente significativo l\u2019effetto dei rallentamenti e delle pause marcate e ben evidenziati nel complesso i colori orchestrali, con gli archi talora poco morbidi, ma con fiati levigati e incisive percussioni.<\/p>\n\n\n\n

Molto applaudita soprattutto la Lindstrom<\/strong>; notevoli apprezzamenti anche per Brownlee<\/strong> e grande entusiasmo per Albrecht<\/strong>.<\/p>\n\n\n\n

SALOME

<\/strong>Opera in un atto
Dal dramma di Oscar Wilde
Musica di Richard Strauss

<\/strong>Direttore Marc Albrecht

<\/strong>Orchestra del Teatro dell\u2019Opera di Roma

Regia Barrie Kosky<\/strong>

Scene e costumi Katrin Lea Tag<\/strong>
Luci Joachim Klein
<\/strong>Drammaturgia\u00a0Zsolt Horp\u00e1csy
<\/strong>Regia ripresa da Tamara Heimbrock

<\/strong>\u00a0Erode John Daszak<\/strong>
Erodiade Katarina Dalayman
<\/strong>Salome Lise Lindstrom<\/strong>
Jochanaan Nicholas Brownlee
<\/strong>Narraboth Joel Prieto
<\/strong>Un paggio di Erodiade\u00a0Karina Kherunts
<\/strong>Primo ebreo Michael J. Scott
<\/strong>Secondo ebreo Christopher Lemmings
<\/strong>Terzo ebreo\u00a0Marcello Nardis<\/strong>
Quarto ebreo\u00a0Eduardo Niave<\/strong>
Quinto ebreo \/ Secondo soldato\u00a0Edwin Kaye<\/strong>
Primo Nazareno \/ Primo soldato\u00a0Zachary Altman<\/strong>
Secondo Nazareno\u00a0Nicola Straniero
<\/strong>Un uomo di Cappadocia\u00a0 Daniele Massimi
<\/strong>Uno schiavo Giuseppe Ruggiero<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Foto: ph Fabrizio Sansoni-Teatro dell\u2019Opera di Roma<\/p>\n ","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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