Orfeo – Teatro di Drottningholm, Stoccolma
Entrare nel Teatro di Corte di Drottningholm è come varcare una soglia temporale: il legno antico, i meccanismi scenici originali e la luce fioca creano un’atmosfera che appartiene a un altro secolo. In sala, i lampadari brillano di luci che tremolano come vere candele — rigorosamente elettriche, per proteggere il teatro da quello che qui è considerato il “male supremo”: il fuoco. In questo scrigno barocco ha risuonato per la prima volta in Svezia l’Orfeo di Georg Philipp Telemann, musica ritrovata e riassemblata sotto la direzione fluida e convinta di Francesco Corti, che ha saputo dare coerenza a una partitura incompleta
mediante inserti di Telemann e di altri compositori coevi. L’orchestra, mirabile nei passaggi di agilità e nella resa delle sfumature timbriche, ha brillato in particolare grazie al percussionista, ai legni e al tiorbista. Qualche momento di grande enfasi avrebbe richiesto più volume, ma gli spazi ristretti del teatro non permettono un ensemble più corposo. Curiosamente, proprio alla recita seguita dalle telecamere per una TV svedese, un problema tecnico ha interrotto la registrazione: un piccolo paradosso, che ricorda come le nuove tecnologie possano incepparsi lì dove la macchina scenica, costruita quasi quattro secoli fa,
funziona ancora alla perfezione. Il miracolo di Drottningholm è anche il lavoro invisibile di decine di professionisti: scenografi, sarti, falegnami e macchinisti che conoscono a memoria il respiro del teatro e la sua acustica unica. I costumi di Anna Kjellsdotter, fedeli al gusto storico ma capaci di simbolismo, dialogano con la scenografia di Christer Nilsson e le luci di Morgan Brown, che scolpiscono ogni gesto e ogni espressione. La regia di Elena Barbalich non si limita a
illustrare la partitura, ma dialoga con essa: la morte di Euridice per il morso del serpente viene resa drammatica dal perfetto parallelismo tra musica e azione scenica. Il coro delle ninfe, in un momento di altissima teatralità, estrae dal candido vestito di Euridice fiotti di sangue evocati da lunghi nastri di raso rosso — un’immagine potente che acuisce il dramma della tragedia.
Nel cast Lauren Lodge-Campbell dona a Euridice un timbro chiaro e soave, ideale per incarnare l’innocenza e la fragilità del personaggio, interpretando anche con finezza il ruolodella sacerdotessa. E poi arriva Orfeo: il baritono Yannick Debus offre una voce prestante sia nel grave che nell’acuto, nella quale chiarezza timbrica e forza acustica si intrecciano con rara naturalezza. Una presenza vocale che riesce a imporsi senza eccessi, sempre al servizio della parola cantata. Hasnaa Bennani, come Ismene, porta grazia e precisione, mentre Rodrigo Carreto è un Eurimedes con un bel timbro che soggiace nelle scene a duo
con Debus alla voce di Orfeo. Josefine Mindus dà vita a una Cephisa nitida e ben proiettata, e Rémy Brès-Feuillet è un Ascalax molto teatrale.
Diversamente da Monteverdi, dove Plutone ha un ruolo di rilievo, in Telemann il personaggio è meno centrale: Lisandro Abadie interpreta con autorevolezza, ma senza la possibilità di imporsi come figura dominante. Il coro, soprattutto quello femminile, diventa un personaggio collettivo fondamentale, incorniciando e amplificando le arie dei solisti. Ma il vero cuore drammatico dell’opera è Orasia, interpretata da Florie Valiquette: agilissima, cristallina negli acuti e capace di
sfumature emotive che spaziano dall’amore alla disperazione, passando per l’ira e l’odio. Una figura complessa, quasi una Amneris verdiana in chiave barocca, che per vigore musicale e profondità emotiva ha spesso catalizzato l’attenzione più dello stesso Orfeo e gli applausi e i bravi che il pubblico le ha tributato ne danno conferma. Se l’Orfeo di Monteverdi si conclude con l’ascesa al cielo, qui la parabola è rovesciata: Orfeo non trova salvezza, ma scompare tra le mani del coro delle ninfe evocanti Dioniso, che lo smembra in lembi di stoffa. Un finale cupo, in perfetta sintonia con la scrittura più introspettiva di Telemann.
Oggi si parla molto di FOMO, la Fear of Missing Out, la paura di perdersi eventi sociali o tendenze digitali. Ma davanti a un’esperienza come quella dell’Orfeo di Drottningholm, la paura diventa concreta e positiva: la Fear of Missing Orfeo. Non si tratta più di restare aggiornati sui social, ma di rischiare di perdere un incontro irripetibile con la musica ritrovata di Telemann, con un teatro storico perfettamente conservato e con interpreti straordinari. Una paura che invita a vivere un’esperienza artistica unica, da custodire nella memoria come un tesoro raro. E per rendere questo tesoro ancora più speciale, l’arrivo a Drottningholm può diventare esso stesso un viaggio consapevole e sostenibile: chi vi scrive ha intrapreso un viaggio dalla Val d’Adige a Stoccolma in treno, attraversando l’Europa con un unico biglietto, l’Interrail, e poi in battello verso il Palazzo Reale di Drottningholm sito Unesco dal 1991. Un percorso lento, ecosostenibile, che trasforma il viaggio in un preludio all’esperienza teatrale, rendendo ogni momento della scoperta più prezioso come un pellegrinaggio verso qualche cosa di trascendentale.
Entering the Drottningholm Court Theatre feels like crossing a temporal threshold: the ancient wood, the original stage machinery, and the dim light create an atmosphere belonging to another century. In the auditorium, chandeliers sparkle with lights that flicker like real candles—strictly electric, to protect the theatre from what is considered here the “supreme evil”: fire. In this Baroque jewel, Orpheus by Georg Philipp Telemann resounded for the first time in Sweden, music rediscovered and reassembled under the fluid and confident direction of Francesco Corti, who managed to give coherence to an incomplete score through insertions by Telemann and other contemporary composers. The orchestra, admirable in passages of agility and in rendering timbral nuances, particularly shone thanks to the percussionist, the woodwinds, and the theorbo player. Some moments of great emphasis might have benefited from more volume, but the theatre’s limited space does not allow for a larger ensemble. Curiously, during the very performance recorded for Swedish television, a technical problem interrupted the broadcast—a small paradox, reminding us how new technologies can fail where stage machinery built nearly four centuries ago still works flawlessly.
The miracle of Drottningholm is also the invisible work of dozens of professionals: set designers, tailors, carpenters, and stagehands who know the theatre’s breathing and unique acoustics by heart. Anna Kjellsdotter’s costumes, faithful to historical taste yet rich in symbolism, converse with Christer Nilsson’s set design and Morgan Brown’s lighting, which chisels every gesture and expression. Elena Barbalich’s staging does not merely illustrate the score but dialogues with it: Eurydice’s death from a snake bite is rendered dramatic through a perfect parallel between music and stage action. In a moment of high theatricality, the chorus of nymphs draws streams of blood from Eurydice’s pure white gown, evoked by long red satin ribbons—a powerful image heightening the tragedy’s drama. In the cast, Lauren Lodge-Campbell lends Eurydice a clear, gentle timbre, ideal for embodying the character’s innocence and fragility, while also performing with finesse as the priestess. And then comes Orpheus: baritone Yannick Debus offers a voice strong both in the low and high registers, where timbral clarity and acoustic power intertwine with rare naturalness. A vocal presence that imposes itself without excess, always in service of the sung word. Hasnaa Bennani, as Ismene, brings grace and precision, while Rodrigo Carreto’s Eurimedes boasts a fine timbre that yields in duo scenes with Debus to Orpheus’s voice. Josefine Mindus delivers a clear, well-projected Cephisa, and Rémy Brès-Feuillet makes for a highly theatrical Ascalax. Unlike in Monteverdi’s work, where Pluto has a prominent role, in Telemann’s the character is less central: Lisandro Abadie performs with authority but without the opportunity to dominate the stage.
The chorus—particularly the women—becomes a fundamental collective character, framing and amplifying the soloists’ arias. But the opera’s true dramatic heart is Orasia, portrayed by Florie Valiquette: agile, crystalline in the high notes, and capable of emotional nuances ranging from love to despair, through anger and hatred. A complex figure, almost a Verdian Amneris in Baroque guise, whose musical vigor and emotional depth often drew more focus than Orpheus himself—confirmed by the warm applause and bravos from the audience. If Monteverdi’s Orfeo ends with an ascent to the heavens, here the arc is reversed: Orpheus finds no salvation but disappears in the hands of the chorus of nymphs invoking Dionysus, who tear him apart into shreds of fabric. A dark ending, in perfect harmony with Telemann’s more introspective writing. Today, much is said about FOMO—Fear of Missing Out—the anxiety of missing social events or digital trends. But faced with an experience like Drottningholm’s Orpheus, that fear becomes something tangible and positive: the Fear of Missing Orpheus. No longer about staying updated on social media, it is about the risk of missing an unrepeatable encounter with Telemann’s rediscovered music, with a perfectly preserved historic theatre, and with extraordinary performers. A fear that invites you to seize a unique artistic experience, to be treasured in memory like a rare jewel. And to make this treasure even more special, reaching Drottningholm can itself be a conscious, sustainable journey: the author travelled from the Adige Valley to Stockholm entirely by train, crossing Europe with a single Interrail ticket, and then by boat to the UNESCO World Heritage Royal Palace of Drottningholm. A slow, eco-friendly route, transforming the journey into a prelude to the theatrical experience—each moment of discovery made more precious, like a pilgrimage toward something transcendent.
Orpheus di Georg Philipp Telemann
Direzione Francesco Corti
Regia Elena Barbalich
Scenografia Christer Nilsson
Costumi Anna Kjellsdotter
Luci Morgan Brown
Orasia Florie Valiquette
Orpheus Yannick Debus
Eurydice Lauren Lodge-Campbell
Ismene Hasnaa Bennani
Eurimedes Rodrigo Carreto
Cephisa Josefine Mindus
Pluto Lisandro Abadie
Ascalax Rémy Brès-Feuillet
Una sacerdotessa Lauren Lodge-Campbell
Coro e orchestra del Drottningholmsteaterns
Foto cortesia Drottningsholms Slottsteater
